19/9/2014

Fol’Amor

¡Lo que me he reído viendo Fol'Amor! Se trata de un cortometraje de animación de Augustin Clermont, Gilles Cortella, Marthe Delaporte, Clement De Ruyter, Maïlys Garcia, Gaspard Sumeire y Pierre Rütz, en el que un caballero intenta impresionar a una dama. Tan simple como eso, pero ¡tan gracioso!


Espero que os haya gustado. ¡Buen fin de semana!

17/9/2014

Diez cosas que quizás no sabías sobre Back to the Future

Tenía pendiente escribir sobre Back to the Future (Robert Zemeckis, 1985) desde hace mucho tiempo. Al fin he encontrado la oportunidad de hacerlo, con diez datos curiosos que espero que os sorprendan.


  1. Cuando Bob Gale se encontró un anuario del instituto de su padre, se preguntó si podrían haber sido amigos de haberle conocido cuando adolescente. Y pensó: “si pudiera viajar en el tiempo, comprobaría si podríamos haber sido amigos”. Y esa fue la chispa que inspiró Back to the Future.
  2. Robert Zemeckis ofreció la idea a Disney. La razón que dio Disney para rechazar el proyecto era que la idea de que la madre se enamorara del hijo era demasiado arriesgada. Pero fueron los únicos que consideraron la historia como arriesgada: el resto de estudios a los que se ofreció la idea la consideraron demasiado naïve comparada con las comedias adolescentes que se estrenaban en la época.
  3. El guión fue rechazado 40 veces. Sid Sheinberg no estaba contento con el título: decía que nadie iría a ver una película con la palabra “futuro” en el título. Solicitó que se cambiara a Spaceman from Pluto (Hombre Espacial de Plutón), y la línea “I’m Darth Vader from planet Vulcan” (Soy Darth Vader, del planeta Vulcano) a “I am a spaceman from Pluto!” (Soy un hombre espacial de Plutón). Spielberg se limitó a contestarle que era una broma buenísima y que a todos les había hecho mucha gracia. 
  4. Michael J. Fox fue la primera elección para el papel de Marty, pero no estaba disponible (conflicto de agenda, dado que grababa para tv Family Ties). El elegido para reemplazarlo fue Eric Stoltz. Rodaron cuatro semanas, y estuvieron de acuerdo en que Stoltz no era el indicado (podéis ver un poco de lo que se rodó aquí). Michael J. Fox volvió al proyecto, pero con un horario especial: rodaba por la noche, justo después de terminar de grabar la serie; dormía unas 5 horas por noche, y las escenas de día se rodaban los fines de semana. Las cuatro semanas de rodaje “perdidas” costaron 3 millones a la producción.
  5. Johnny Depp hizo una prueba para el rol de Marty, pero fue poco memorable. ¿Imagináis a Johnny con las zapas de Marty? Ralph Maccio también consideró el papel, pero lo rechazó porque pensaba que la película iba sobre “un chico, un coche, y píldoras de plutonio”.
  6. Christopher Lloyd rechazó el papel de Doc Brown, pero cambió de opinión cuando su mujer le convenció de que sería un buen papel. Al final, tuvo que improvisar algunas de sus líneas.
  7. Crispin Glover perdió la voz durante el rodaje, y tuvo que doblarse posteriormente.
  8. La máquina del tiempo no siempre fue un DeLorean. En el primer borrador del guión iba a ser un instrumento láser unido a un refrigerador y sometido a una prueba de bomba atómica. Lo cambiaron por miedo a que los niños empezaran a experimentar con los refris en casa. En el tercer borrador ya era un DeLorean, pero para viajar en el tiempo era necesario conducir hacia una prueba de la bomba atómica. Lo más curioso: se deshicieron de la idea de la bomba atómica para reducir costes. La elección de un DeLorean se debía a que el diseño podía pasar por una nave espacial en 1955.
  9. La película sólo tiene 32 tomas de efectos especiales.
  10. En la primera proyección de prueba con público faltaban detalles: no estaban completos los efectos del vuelo del DeLorean, y los últimos minutos de la película estaban en blanco y negro. ¿Afectó la opinión del público? Todo lo contrario: estaban encantados con la escena final.
Para terminar, algunas tomas falsas del rodaje:



15/9/2014

Vivir es fácil con los ojos cerrados



Con la excusa de contarnos la historia de aquél profesor de inglés que enseñaba el idioma con canciones de los Beatles, David Trueba nos contó muchísimo más. La visita de John Lennon a Almería es sólo el pretexto para contarnos sobre lo que era España en los sesenta, sobre la juventud en aquellos años, sobre la diferencia de mentalidades y, especialmente, decirnos que no hay que rendirse aunque las cosas no sean como esperamos.

El Antonio de Javier Cámara es un personaje adorable, quizás un poco ingenuo. Es uno de esos personajes que a veces nos encontramos en la vida real y nos preguntamos cómo hacen para sobrevivir en un mundo tan hostil.

Antonio y su sueño de conocer a Lennon le cambian la vida a aquellos que lo viven con él. Y emocionan. Quien diga que no se ha emocionado viendo la historia miente. Es imposible no emocionarse viéndole hacer locuras y darlo todo por llegar a cumplir su sueño, seamos o no fans de Lennon.

Vivir es fácil con los ojos cerrados hace honor a la canción que ha inspirado su nombre. La letra habla exactamente de las cosas que habla la película. Es como asistir a una clase de Antonio, donde nos representa el significado de aquello de lo que hablaba Lennon. Resulta un bonito homenaje a ese profesor, a esa admiración. El viaje a los campos de fresas resulta perfecto. Y puede acabar ganando un Oscar, ¿por qué no?

12/9/2014

7:35 de la mañana

No sé si os pasa lo mismo que a mí, que por las mañanas -además de parecer un zombie- a veces no sé si estoy del todo despierta, si hago las cosas o es que aún estoy soñando. 

En honor a esa sensación matinal (que parece ser aún peor en los meses de verano), hoy he decidido rescatar un corto escrito, dirigido y protagonizado por Nacho Vigalondo. Se trata de 7:35 de la mañana, el corto musical por el que fue nominado al Oscar en 2004.


Buen fin de semana, que descanséis mucho ;)

10/9/2014

Historia del Cine: Dogma 95

En este momento en el que Hollywood parece que sólo sabe invertir en reboots, remakes y franquicias, algunos empezamos a preguntarnos si es que no hay ideas.

Personalmente defiendo que las ideas están, que el cine independiente es muy fuerte, y que el cine no se termina en Hollywood. Porque, seamos francos: por muy bien que lo haga Hollywood, las innovaciones estilísticas no son su fuerte (en general, que siempre hay excepciones).

Esta vez toca hacer un pequeño resumen sobre un movimiento que ha hecho historia, y de la reciente: el Dogma 95.

El manifiesto y el voto de castidad (traducidos más abajo)


El Dogma 95 nace porque Lars von Trier y Thomas Vinteberg, allá por los años noventa, pensaron que el cine estaba en horas bajas y que había que hacer algo para renovar al séptimo arte. 

La idea: en una industria donde los presupuestos son altísimos, crear un contrapeso y balancear las cosas. El objetivo: purificar el cine negándose a utilizar efectos especiales caros y espectaculares, realizar modificaciones en la postproducción o cualquier otro recurso técnico. El método: concentrarse en la historia y los trabajos actorales. Creían que esto atraparía a la audiencia, ya que no se encontraban alienados o distraídos por la sobreproducción

Anunciaron el nacimiento del movimiento el 13 de marzo de 1995 en París, durante una conferencia en la que cineastas de todo el mundo se habían reunido para celebrar el centenario del cine y analizar el futuro incierto del cine comercial. Durante su aparición en una charla sobre el futuro del cine, von Trier lanzó el panfleto rojo que ilustra este post y anunció el nacimiento del Dogma.

DOGMA 95

DOGMA 95 es un grupo de directores de cine fundado en Copenhagen en la primavera de 1995.
DOGMA 95 tiene el objetivo expreso de ir en contra de "ciertas tendencias" del cine actual.
¡DOGMA 95 es una acción de rescate!
¡En 1960 ya era suficiente! La película había muerto y era necesaria una resurrección. ¡El objetivo era correcto, pero los medios equivocados! La nouvelle vague era una pequeña ola que se convirtió en barro al tocar la orilla.
Los eslóganes de individualidad y libertad crearon trabajos por un tiempo, pero no trajeron cambios. La ola estaba disponible, tal y como los directores. La ola nunca fue más fuerte que los hombres que la crearon. El cine antiburgués se volvió burgués, porque la base sobre la que se fundaron sus teorías era una visión burguesa del arte. El concepto de auteur era romanticismo burgués desde el principio y por tanto... ¡falso! 
¡Para DOGMA 95 el cine no es individual!
Hoy en día, una tormenta tecnológica nos rodea, cuyo resultado será la democratización total del cine. Por primera vez, cualquiera puede hacer películas. Pero, cuanto más accesible se hace el medio, más importante es el avant-garde. No es un accidente que la frase "avant-garde" tenga connotaciones militares. La disciplina es la respuesta... ¡debemos convertir nuestras películas en un uniforme, porque el cine individual será decadente por definición! 
DOGMA 95 va en contra del cine individual siguiendo el principio de establecer un conjunto de normas indisputables, conocido como EL VOTO DE CASTIDAD.
¡En 1960 ya era suficiente! El cine había sido cosmetizado a muerte, dijeron; pero desde entonces el uso de cosméticos ha explotado. 
La tarea "suprema" de los cineastas decadentes es burlarse de la audiencia. ¿Estamos orgullosos de eso? ¿Es eso a lo que hemos llegado en "100 años"? ¿Ilusiones a través de las que podemos comunicar emociones?... ¿Por la elección libre de engañar de los artistas individuales? 
La predictabilidad (dramaturgia) se ha convertido en el vellocino de oro al que celebramos. Que las vidas internas de los personajes justifiquen la trama es demasiado complicado, y no es considerado "arte elevado". Como nunca, la acción superficial y la película superficial reciben todos los halagos. 
El resultado es vacío. Una ilusión de pathos y una ilusión de amor. 
¡Para DOGMA 95 el cine no es una ilusión!
La tormenta tecnológica que nos rodea es el resultado de la elevación de los cosméticos al nivel de dioses. Al usar nuevas tecnologías cualquiera, en cualquier momento, puede borrar los últimos vestigios de verdad en un abrazo mortal de sensaciones. Las ilusiones son todo aquello detrás de lo que se puede esconder el cine.
DOGMA 95 contradice al cine de ilusiones estableciendo un conjunto de normas indisputables conocido como EL VOTO DE CASTIDAD.


    EL VOTO DE CASTIDAD


Juro cumplir el siguiente conjunto de reglas redactado y confirmado por DOGMA 95:
  1. El rodaje debe realizarse en la localización. Se prohíbe el atrezzo y los sets (si es necesario un elemento de atrezzo para la historia, debe elegirse una localización donde pueda encontrarse tal elemento).
  2. Se prohíbe producir el sonido aparte de la imagen, o viceversa. (No debe utilizarse música a menos que suene donde la escena es rodada.)
  3. Debe rodarse cámara en mano. Se permite cualquier movimiento o inmobilidad que pueda conseguirse con la mano.
  4. La película debe ser a color. No se permite iluminación especial. (Si hay muy poca luz para la exposición, debe cortarse la escena o utilizarse una sola lámpara acoplada a la cámara.)
  5. Se prohíben la corrección óptica y los filtros. 
  6. La película no puede contener acción superficial. (No pueden ocurrir asesinatos, armas, etc.)
  7. Se prohíbe la alienación temporal y georgráfica. (Esto es, la película ocurre aquí y ahora.)
  8. Se prohíben la películas de género.
  9. El formato de la película debe ser de los 35 mm. establecidos por la Academia. 
  10. El director no aparecerá en los créditos. 
Además, como director juro ¡evitar el gusto personal! De ahora en adelante no seré un artista, evitaré crear "obras", porque considero que el instante es más importante que el total. Mi objetivo supremo es forzar la verdad de mis personajes y escenarios. Juro hacerlo con todos los medios disponibles y bajo el coste de cualquier buen gusto y cualquier consideración estética.
Así, hago mi VOTO DE CASTIDAD.

Copenhagen, lunes 13 de marzo de 1995
Por DOGMA 95


Lars von Trier         Thomas Vinterberg 


Directores y películas DOGMA 95

Los directores más relevantes del movimiento son:

  • Thomas Vinterberg
  • Lars Von Trier
  • Søren Kragh-Jacobsen
  • Kristian Levring 
  • Jean-Marc Barr
  • Anthony Dod Mantle
  • Paprika Steen
  • Harmony Korine
  • Susanne Bier
  • Richard Martini
  • Joseph Garcia Quinn

Y la lista oficial de películas que siguieron las normas establecidas por el movimiento:

  • Dogme # 1: Festen (Thomas Vinterberg)
  • Dogme # 2: Idioterne (Lars von Trier)
  • Dogme # 3: Mifunes Sidste Sang (Søren Kragh-Jacobsen)
  • Dogme # 4: The King Is Alive (Kristian Levring)
  • Dogme # 5: Lovers (Jean-Marc Barr)
  • Dogme # 6: Julien Donkey-Boy (Harmony Korine)
  • Dogme # 7: Interview (Daniel H. Byun)
  • Dogme # 8: Fuckland (José Luis Marques)
  • Dogme # 9: Babylon (Vladan Zdravkovic)
  • Dogme # 10: Chetzemoka’s Curse (Rick Schmidt, Maya Berthoud, Morgan Schmidt-Feng, Dave Nold, Lawrence E. Pado, Marlon Schmidt y Chris Tow)
  • Dogme # 11: Diapason (Antonio Domenici)
  • Dogme # 12: Italiensk For Begyndere (Lone Scherfig)
  • Dogme # 13: Amerikana (James Merendino)
  • Dogme # 14: Joy Ride (Martin Rengel)
  • Dogme # 15: Camera (Rich Martini)
  • Dogme # 16: Bad Actors (Shaun Monson)
  • Dogme # 17: Reunion (Leif Tilden)
  • Dogme # 18: Et Rigtigt Menneske (Åke Sandgren)
  • Dogme # 19: Når Nettene Blir Lange (Mona J. Hoel)
  • Dogme # 20: Strass (Vincent Lannoo)
  • Dogme # 21: En Kærlighedshistorie (Ole Christian Madsen)
  • Dogme # 22: Era Outra Vez (Juan Pinzás)
  • Dogme #23: Resin (Vladimir Gyorski)
  • Dogme #24: Security, Colorado (Andrew Gillis)
  • Dogme #25: Converging With Angels (Michael Sorenson)
  • Dogme #26: The Sparkle Room (Alex McAulay)
  • Dogme #27: Come Now
  • Dogme #28: Elsker Dig For Evigt (Susanne Bier)
  • Dogme #29: The Bread Basket (Matthew Biancniello)
  • Dogme #30: Días de Boda (Juan Pinzas)
  • Dogme #31: El Desenlace (Juan Pinzas)
  • Dogme #32: Se til venstre, der er en Svensker (Natasha Arthy)
  • Dogme #33: Residencia (Artemio Espinosa Mc.)
  • Dogme # 34: Forbrydelser (Annette K. Olesen)
  • Dogme #35: Cosi x Caso (Cristiano Ceriello)

Para terminar, os dejo un corto documental sobre von Trier y el Dogma 95, Lars from 1 to 10: